admin / 18.12.2019

Кто такой абстракционист?

Известнейшие абстрактные картины

Абстрактные картины

В отличие от классического изобразительного искусства, целью которого является отображение реальности, абстрактное искусство, как правило, не имеет ничего общего с естественным миром. Хотя абстракции в искусстве существовали во многих культурах с древних времен, пиком популярности направления считается начало 20-го века.

Движение в квадратах (1961)

Бриджет Райли

В жанре оптического искусства художник создает иллюзии, посредством манипулирования узорами, формами и цветами. Именно Бриджит Райли является одним из ведущих британских художников в данном направлении, ее творчество стоит в одном ряду с работами Виктора Вазарели. В работе «Движение в квадратах» она изображает искаженную шахматную доску, создающую ощущение глубины и движения.

Серия абстрактных картин (1986)

Герхард Рихтер

Герхард Рихтер — известный немецкий художник, создававший столь разнообразные работы, что их до сих пор сложно определить их принадлежность к какому-либо из жанров искусства. Первую работу в серии «Абстрактные полотна» он написал в 1976 году и продолжал ее в течение следующих двух десятилетий. Рихтер при создании картин начинает с нанесения больших полос основного цвета, а затем поэтапно развивает композицию, отражая ее прогресс, случайные детали и модели. Интересно, что в феврале 2015 года одна из картин серии была продана за 44 миллиона долларов, поставив тем самым рекорд цены среди произведений ныне живущих европейских художников.

Оранжевый, красный, желтый (1961)

Марк Ротко

Марк Ротко считается пионером стиля в абстрактном экспрессионизме, в котором основным предметом картины является цвет. Среди его популярных работ — полотна, в которых используются симметричные прямоугольные блоки и контрастная палитра цветов. Картина «Цветовое поле» также является рекордсменом по цене продажи на открытом аукционе: в мае 2012 она была продана за почти 87 миллионом долларов.

Синий II (1961)

Миро

Хуан Миро — влиятельный испанский художник, который был более тесно связан с сюрреализмом, нежели с абстракцией. Тем не менее, ряд его шедевров считают новаторскими в жанре абстрактного экспрессионизма. В этом направлении наиболее узнаваемым можно считать триптих «синих» картин (355*270 см каждая). Все три работы состоят из простых линий и форм на загадочном синем фоне. Во второй, самой известной из трех картине, Миро придает динамизма, вписывая в композицию красную линию.

Горы и море (1952)

Элен Франкенталер

«Лирическая абстракция» — термин, предназначенный для направления искусства, которое основывается на возврате к самовыражению автора, отходя от геометрических абстракций и минимализма. Хелен Франкенталер — одна из самых влиятельных и ярких художников в лирической абстракции. Безусловно знаковым произведением в ее карьере является картины «Горы и море» — первая работа Элен с использованием знаменитой техники вымачивания.

Буги-Вуги на Бродвее (1942)

Пит Мондриан

Геометрическая абстракция — это вид абстрактного искусства, основанная на использовании геометрических форм. Пит Мондриан придумал термин «неопластичность» для своих абстрактных геометрических картин, в которых применялись только прямые линии, три основных цвета и нейтральные черный, белый и серый. Последняя полная картина Мондриана «Буги-Вуги на Бродвее» вдохновлена городской атмосферой Манхэттена и одноименным направлением в музыке, которое любил художник. Картина считается вершиной представлений Мондриана, в котором в полной мере применен его графический словарь линий, квадратов и цветов.

11 (1952)

Капельная живопись — форма абстрактного искусства, в котором краска капает или выливается на холст, а не тщательно наносится с использованием различных инструментов. Джексон Поллок — самый известный специалист по капельной живописи. Среди его работ можно выделить «№11», приобретенную Национальной галереей Австралии в 1973 году за 1.3 миллиона долларов (на тот момент — мировой рекорд современной американской живописи). Газеты Австралии раскритиковали покупку, случился скандал, в результате которого общественное внимание способствовало росту популярности картины. Сегодня эта картина — один из главных экспонатов в коллекции галереи, и ее покупка считается невероятно удачной.

Композиция VII (1913)

Василий Кандинский

Василия Кандинского многие считают «отцом абстрактного искусства». На 1910-1914 годы приходится расцвет творческой карьеры Кандинского, а картина «Композиция VII» считается ее вершиной, несмотря на то, что финальная версия работы была создана всего за три дня. Считается, что «Композиция VII» связана с апокалипсическими темами Потопа, Последнего Суда, Воскресения и Рая. Сам Кандинский этот закрученный ураган форм и цветов считал самой сложной структурой, которую он когда-либо писал.

Черный квадрат (1915)

Казимир Малевич

Казимир Малевич был основателем художественного движения, известного как супрематизм, который фокусировался на базовых геометрических формах, таких как круги, квадраты, линии и прямоугольники, а также использовании ограниченного диапазона цветов. Таким образом, он является пионером геометрического абстрактного искусства. Знаменитый «Черный квадрат» имеет историческое значение, его называют «нулевой точкой живописи». Работа считается культовой не только в жанре абстрактного искусства, но и в живописи в целом.

Известнейшие абстрактные картины обновлено: Сентябрь 12, 2018 автором: Глеб

Абстракционизм — стиль или направление в живописи. Абстракционизм или абстрактный жанр подразумевает отказ от изображения реальных вещей и форм. Абстракционизм направлен на то, чтобы вызвать у человека определённые эмоции и ассоциации. Для этих целей картины в абстрактном стиле пытаются выразить гармонию цвета, форм, линий, пятен и так далее. Все формы и цветовые сочетания, которые находятся в периметре изображения, имеют идею, своё выражение и смысловую нагрузку. Как бы ни казалось зрителю, глядя на картину где кроме линий и клякс ничего нет, всё в абстракции подчинено определённым правилам выражения.

На сегодняшний день абстракция настолько широка и разнообразна, что сама подразделяется на множество видов, стилей и жанров. Каждый художник или группа художников пытаются создать нечто своё, нечто особенное, которое бы лучшим образом могло достучаться до чувств и ощущений человека. Достичь этого без применения узнаваемых фигур и объектов очень сложно. По этой причине полотна абстракционистов, которые действительно вызывают особые ощущения и заставляют поражаться красоте и выразительности абстрактной композиции, заслуживают большого уважения, а сам художник считается настоящим гением от живописи.

Считается, что абстрактную живопись придумал и разработал великий русский художник Василий Кандинский. Его последователями были Наталья Гончарова и Михаил Ларионов, которые не только исследовали философию абстракционизма, но также разработали новое направление в этом жанре — Лучизм. Казимир Малевич ещё более «усовершенствовал» технику абстракции, добившись полной беспредметности, который был назван — Супрематизм. Не менее известными абстракционистами стали: Пит Мондриан, Джексон Поллок, Марк Ротко, Барнетт Ньюманн, Адольф Готтлиб и многие другие.

Абстрактная живопись, которая буквально взорвала мир искусства, стала символом начала новой эпохи. Эта эпоха означает полный переход от рамок и ограничений к полной свободе выражения. Художник более ничем не связан, он может писать не только людей, бытовые и жанровые сцены, но даже мысли, эмоции, ощущения и использовать для этого любые формы выражения. Абстракционизм, как живопись личного переживания, ещё долгое время находился в андеграунде. Его, как и многие другие жанры живописи в истории, высмеивали и даже подвергали осуждению и цензуре, как искусство не имеющее никакого смысла. Однако со временем положение абстракции изменилось и теперь она существует наравне со всеми другими формами искусства.

В. Кандинский — Несколько кругов

Абстракционизм в искусстве.

Звучащий цвет и зримый звук

«Краски следует применять не потому, что они существуют или не существуют в этом звучании в природе, а потому, что именно в этом звучании они необходимы в картине» — так считал художник Василий Васильевич Кандинский (1866-1944). Он был одним из представителей абстракционизма( от лат. Abstraction – удаление , отвлечение) – направление в изобразительном искусстве XX в. Для этого направления характерны отказ от изображения реальных предметов, их формы; беспредметные композиции (линии, точки, пятна, плоскости и пр.); эксперименты с цветом; отражение внутреннего мира художника в хаотических, неорганизованных образах. Абстракционизм был откликом на общую дисгармонию современного мира и имел успех потому, что призвал «уступить инициативу формам, краскам, цвету».

Изучая воздействие цвета на человека, В.Кандинский описал свойства красок – главного материала живописи, характеризующегося тремя признаками: цвет, тон и интенсивность, которые играют важную роль в создании эмоционального строя произведения. В музыке такое же значение имеют тембры музыкальных инструментов.

Жёлтый и синий цвета вызывают иллюзию движения. Но, например, два круга одинаковой величины — жёлтый и синий – воспринимаются по-разному: «жёлтый круг излучает, приобретает движение от центра и почти видимо приближается к человеку, тогда как синий круг приобретает концентрическое движение ( подобно улитке, заползающей в свою раковину) и удаляется от человека. Первый круг как бы пронзает глаза, в то время, как во второй круг глаз как бы погружается» (В.Кандинский). Если добавлять в разных пропорциях синий цвет в жёлтую краску, получатся разные оттенки зелёного цвета. Кандинский считал, что смешение жёлтого и синего тормозит движение до полного его уничтожения; зелёный цвет – это цвет неподвижности и покоя, равновесия, но в нём потенциально скрыта возможность жизни, так как он составлен из активных цветов.

Кандинский по впечатлению движения устанавливал «духовное действие красок». Так, очень интенсивный жёлтый цвет в какой-нибудь геометрической форме «беспокоит человека, колет, будоражит его и обнаруживает характер заключающегося в цвете насилия, которое действует назойливо на душу».

Кандинский считал, что «цвет является средством , которым можно непосредственно влиять на душу. Цвет – это клавиш; глаз – молоточек; душа – многострунный рояль. Художник есть рука, которая посредством того или иного клавиша целесообразно приводит в вибрацию человеческую душу».

По своему эмоциональному воздействию цвета делятся на тёплые и холодные, светлые и тёмные. К тёплым относятся цвета солнца, огня, земли: жёлтый, оранжевый , красный, коричневый и т.д. Они согревают, радуют. Эти цветовые эффекты сегодня широко используются в дизайне и рекламе.

«Теплота или холод краски есть…склонность жёлтому или синему, — пишет художник, — причём при тёплой краске движение на горизонтальной плоскости направлено к зрителю, стремится к нему, а при холодной краске – удаляется от него».

У Кандинского много композиций , в которых он стремился передать своё музыкальное восприятие цвета. Это «Увертюра. Фиолетовый клин», «Контрастные звуки», «Чёрный аккомпанемент» и даже сценическая композиция «Жёлтый звук», работа над которой велась совместно с композитором и танцовщиком.

Абстракционизм — одно из самых сложных и противоречивых течений, возникших в мировом искусстве в начале XX века, в котором отказ от изображения форм реального мира заменяется «беспредметными» сочетаниями цветовых пятен или геометрических элементов и линий. Существует великое множество вариантов абстрактного искусства — геометрическая абстракция, лирическая абстракция, лучизм, супрематизм, абстрактный экспрессионизм, ташизм, информиель… Но в любом своем проявлении этот стиль, как никакой другой, направлен на выражение индивидуальности художника, его творческого «я».

Официально годом рождения абстрактного искусства считается 1910-й — год, когда на свет появились первые беспредметные рисунки Василия Кандинского. Однако абстрактные мотивы периодически появлялись в произведениях искусства и гораздо раньше.

«Живопись есть грохочущее столкновение различных миров, призванных путем борьбы и среди этой борьбы миров между собой создать новый мир, который зовется произведением. Каждое произведение возникает технически так, как возникает космос, — он проходит путем катастроф, подобных хаотическому реву оркестра… Создание произведения есть мироздание» — так Кандинский определил для себя рождение новой картины (2).

(2) В. Кандинский. Музыкальная увертюра. Фиолетовый клин.
1919. Тульский художественный музей

И в самом деле, на его полотнах перед нами предстают грандиозные сцены, сравнимые с рождением новой галактики. Сложнейшие сочетания ярких цветовых пятен, зигзагообразные линии, похожие на молнии, — все это клубится, сверкает и переливается, формы перетекают из одной в другую, затягивая зрителя вглубь, заставляя его «самозабвенно раствориться в картине». Совершенно не важно, что изображено на холсте, важно то, как оно воздействует на человека, какие эмоции вызывает.

Особое место в создании художественного впечатления Кандинский отводил цвету. Краски представлялись художнику одушевленными существами, причем обладающими своим собственным звучанием; например, желтый цвет, по его мнению, вызывает в памяти звук флейты, синий — виолончели, красный напоминает трубу. Интересно, что цвет занимал важное место не только в живописи, но и в поэзии Кандинского. «Синее… Синее подымалось, поднималось и падало. Во всех углах загремело… Белый скачок за белым скачком. И за этим белым скачком опять белый скачок. И в этом белом скачке белый скачок. Вот это и плохо, что ты не видишь мутное; в мутном оно и сидит. Отсюда все начинается… Треснуло». Странное, не похожее ни на что сочетание слов, но, наверное, только так и можно описать вербально картины Кандинского.

Василий Васильевич Кандинский – русский художник, основоположник абстракционизма, живописец, график, педагог и общественный деятель. Большую часть жизни Кандинский провел за границей.В ранних работах Кандинского еще можно увидеть примитивистскую, декоративную красочность, но эта связь с реальным образом начинает пропадать уже в 1908 г. Его картины становятся более яркими, насыщенными по цвету, в них теряется ощущение предметности. Он называет свои произведения «композициями» и «импровизациями» – в них невозможно определить изображенные предметы. Действительно, его картины наполнены жизнью. Изогнутые иероглифы перебегают яркие пятна, которые проникают друг в друга и расступаются; кривые линии расползаются по полотну кишащими червячками. Иногда цветные бесформенные брызги приобретают геометрические очертания, и в них возникают образы космической глубины.

Возвращение Кандинского на родину было связано с началом Первой мировой войны. Вместе с группой единомышленников в годы октябрьской революции он пытался возглавить художественное образование в России и полностью руководить искусством. Из программы Института художественной культуры, составленной им, ясно, что он хотел привнести в формирующуюся советскую культуру элементы культуры буржуазной Европы.

Однако его надеждам не дано было осуществиться. Разочаровавшись в своей неудаче, художник навсегда покинул Советскую Россию. Для искусства важна не только деятельность Кандинского, а как талантливого художника, не меньшее значение имеет и его теория. Всю свою жизнь он был довольно религиозным человеком, и все его «нововведения» буквально пронизаны мистикой. Главный недостаток современного искусства, по мнению Кандинского, заключен в его подчинении материализму. Цель абсолютного искусства – победить материю, природа и искусство так же различны, как внешний и внутренний миры. Абстрактное же искусство как раз и призвано их соединить, оно преобразует реальное существование в чистый звук. Кандинскому особенно нравится сравнивать живопись с музыкой, ведь «звук» -это душа каждого реального явления, каждой зримой формы.

«Переживание «тайной души» всех вещей, видимых нами невооруженным глазом, в микроскоп или телескоп, я называю «внутренним взором». Этот взор проходит сквозь твердую оболочку, через внешнюю «форму» к внутреннему началу вещей и позволяет нам воспринять всеми нашими чувствами внутреннее «пульсирование» этих вещей». И подобное восприятие художника становится зародышем его творения. Бессознательно. Так трепещет «мертвая» материя. И более того: внутренние «голоса» отдельных вещей звучат не изолированно, но в общем согласии, и это – «музыка сфер» – такова универсальная формула Кандинского.

Одна из лучших работ художника – полуабстрактная, необъяснимо притягательная композиция «Казаки»1910-1911.

В ней очертания хмурых холмов и едва различимые силуэты казаков с саблями на конях включены в общую динамику картины, ее абстрактных форм, линий и ярких, кричащих цветовых пятен. В манере наложения мазка чувствуется удивительная раскованность, непосредственность, непринужденность. Композиция оживает в нашем сознании, создавая эффект легкости и реалистичности. Построение самой картины поражает своей простотой и ясностью плана, здесь нет излишеств и торопливой суеты. Образы казаков отличаются строгостью и чинностью.

Василия Кандинского в большой степени можно назвать художником-символистом. Он насыщает свое понимание цвета символикой: черное для него есть символ смерти, белое – символ рождения, красное – символ мужества. Линии также символичны. Горизонтальная обозначает то, что лежит, вертикальная – позу стоящего человека, ходьбу, движение, восхождение ввысь. Горизонталь пассивна, женственна; вертикаль активна, мужественна.

Мимолетности – так назвал цикл фортепианных миниатюр С.С.Прокофьев. Они объединили в себе и живописные, и литературные впечатления композитора. Своеобразным толчком для их создания стали стихи поэта К.Бальмонта – современника С.Прокофьева.

Я не знаю мудрости годной для других

Только мимолетности я влагаю в стих.

В каждой мимолетности вижу я миры

Полные изменчивой радужной игры.

Стремление передать минутные впечатления, «игру мгновения», изменчивость и неуловимость состояния мира, души человека перекликается с творческим кредо художников – импрессионистов, с живописными беспредметными образами. В музыке «Мимолетностей» нет каких – либо ярких реальных пейзажей, портретов, она построена на сочетании ломаных линий – мелодий, ритмов, необычных гармоний, напоминающих красочные пятна картины.

Задание:

Вслушайся в музыку «Мимолетностей» С.С.Прокофьева.

Всмотрись и вслушайся в картины В.Кандинского – современника композитора. Как они «звучат»? Какое впечатление производят на тебя эти художественные произведения? В чем ты видишь перекличку средств выразительности музыки и живописи?

Вспомни знакомые тебе произведения П.И.Чайковского, С.В.Рахманинова и сравни их с музыкой «Мимолетностей» С.С.Прокофьева. Подумай, что отличает музыкальный почерк каждого из композиторов.

ТОП-5 художников в стиле абстракционизм

В прошлом веке абстрактное направление стало настоящим прорывом в истории искусства, но вполне закономерным — человек всегда находился в поиске новых форм, свойств и идей. Но и в нашем веке этот стиль искусства вызывает немало вопросов. Что же такое абстракционизм? Поговорим об этом далее.

Абстракционизм в живописи и искусстве

В стиле абстракционизм художник использует визуальный язык форм, контуров, линий и цветов, чтобы интерпретировать предмет. Это контрастирует с традиционными формами искусства, которые получают более литературную интерпретацию предмета – передают «реальность». Абстракционизм же уходит как можно дальше от классического изобразительного искусства, насколько это возможно; представляет предметный мир совсем не так, как в реальной жизни.

Абстракционизм в искусстве бросает вызов уму наблюдателя, точно так же, как и его эмоциям – чтобы полностью оценить произведение искусства, наблюдатель должен избавиться от необходимости понять, что художник пытается сказать, а должен сам почувствовать ответную эмоцию. Все аспекты жизни поддаются интерпретации через абстракционизм — вера, страхи, страсти, реакция на музыку или природу, научные и математические вычисления, и т. д.

Это направление в искусстве возникло в XX веке, наряду с кубизмом, сюрреализмом, дадаизмом и другими, хотя точное время неизвестно. Основными представителями стиля абстракционизм в живописи принято считать таких художников, как Василий Кандинский, Робер Делоне, Казимир Малевич, Франтишек Купка и Пит Мондриан. Об их творчестве и важных картинах речь и пойдет дальше.

Картины известных художников: абстракционизм

Василий Кандинский

Кандинский был одним из пионеров абстрактного искусства. Свои поиски он начинал в импрессионизме, а уже потом пришел к стилю абстракционизм. В своем творчестве он эксплуатировал взаимосвязь между цветом и формой для создания эстетического опыта, который бы охватывал одновременно и видение, и эмоции зрителей. Он считал, что полная абстракция дает простор для глубокого, трансцендентного выражения, а копирование реальности только мешает этому процессу.

Живопись была глубоко духовной для Кандинского. Он стремился передать глубину человеческих эмоций через универсальный визуальный язык абстрактных форм и цветов, который превзошел бы физические и культурные границы. Он видел абстракционизм как идеальный визуальный режим, который может выразить «внутреннюю необходимость» художника и передать человеческие идеи и эмоции. Он считал себя пророком, чья миссия – делиться этими идеалами с миром, на благо общества.

«Композиция IV» (1911)

Скрытые в ярких цветах и четкие черные линии изображают несколько казаков с копьями, а также лодки, цифры и замок на вершине холма. Как и во многих картинах этого периода, она представляет собой апокалиптическое сражение, которое приведет к вечному миру.

Для того, чтобы облегчить разработку беспредметного стиля живописи, как описано в его работе «О духовном в искусстве» (1912), Кандинский уменьшает объекты до пиктографических символов. Благодаря удалению большинства отсылок ко внешнему миру, Кандинский выразил свое видение более универсальным образом, переведя духовную сущность предмета через все эти формы в визуальный язык. Многие из этих символических фигур были повторены и уточнены в его поздних работах, став еще более абстрактными.

Казимир Малевич

Идеи Малевича о форме и значении в искусстве так или иначе приводят к концентрации на теории стиля абстракционизм. Малевич работал с разными стилями в живописи, но больше всего был сосредоточен на исследовании чистых геометрических форм (квадраты, треугольники, круги) и их отношении друг к другу в изобразительном пространстве.

Благодаря своим контактам на Западе Малевич был в состоянии передать свои идеи о живописи друзьям-художникам в Европе и Соединенных Штатах, и таким образом глубоко воздействовать на эволюцию современного искусства.

«Черный квадрат» (1915)

Культовая картина «Черный квадрат» была впервые показана Малевичем на выставке в Петрограде в 1915 году. Эта работа воплощает в себя теоретические принципы супрематизма, разработанные Малевичем в его эссе «От кубизма и футуризма к супрематизму: новый реализм в живописи».

На полотне перед зрителем находится нарисованная на белом фоне абстрактная форма в виде черного квадрата – она является единственным элементом композиции. Несмотря на то, что картина кажется простой, на ней присутствуют такие элементы, как отпечатки пальцев, мазки кистью, проглядывающие через черные слои краски.

Для Малевича квадрат обозначает чувства, а белый – пустоту, ничто. Он видел черный квадрат как богоподобное присутствие, икону, словно она могла стать новым священным образом для беспредметного искусства. Даже на выставке эта картина была размещена на том месте, где в русском доме обычно располагают икону.

Пит Мондриан

Пита Мондриана, являющегося одним из основателей голландского движения «Де стиль», признают за чистоту его абстракций и методичную практику. Он довольно радикально упрощал элементы своих картин, чтобы отображать то, что он видел, не напрямую, а образно, и создавать четкий и универсальный эстетический язык в своих полотнах.

В своих наиболее известных картинах с 1920-х годов Мондриан сводит формы к линиям и прямоугольникам, а палитру – к самой простой. Использование асимметричного баланса стало основополагающим в развитии современного искусства, а его культовые абстрактные работы сохраняют свое влияние в дизайне и знакомы популярной культуре и в наши дни.

«Серое дерево» (1912)

«Серое дерево» является примером раннего перехода Мондриана к стилю абстракционизм. Трехмерное дерево сокращается до простейших линий и плоскостей, с использованием всего лишь только серых и черных оттенков.

Эта картина является одной из серии работ Мондриана, созданных с более реалистичным подходом, где, к примеру, деревья представлены натуралистично. В то время как более поздние произведения становились все более абстрактными, например, линии дерева уменьшаются до тех пор, пока форма дерева не станет едва заметной и вторичной по отношению к общей композиции вертикальных и горизонтальных линий.

Здесь еще можно увидеть интерес Мондриана к отказу от структурированной организации линий. Этот шаг был значительным для развития чистой абстракции Мондриана.

Робер Делоне

Делоне был одним из самых ранних художников стиля абстракционизм. Его творчество повлияло на развитие этого направления, основываясь на композиционном напряжении, которое было обусловлено противопоставлением цветов. Он довольно быстро попал под нео-импрессионистское колористическое влияние и очень внимательно следил за цветовым строем работ в стиле абстракционизм. Цвет и свет он считал главными инструментами, с помощью которых можно повлиять на предметность мира.

К 1910 году Делоне сделал собственный вклад в кубизм в виде двух серий картин, изображающих соборы и Эйфелеву башню, которые соединили в себе кубические формы, динамику движения и яркие цвета. Этот новый способ использования цветовой гармонии помог отделить данный стиль от ортодоксального кубизма, получив название орфизм, и сразу же повлиял на европейских художников. В этом же стиле продолжила писать картины жена Делоне, художница Соня Терк-Делоне.

«Эйфелева башня» (1911)

Главная работа Делоне посвящена Эйфелевой башне — знаменитому символу Франции. Это одна из самых внушительных из серии одиннадцати картин, посвященных Эйфелевой башне между 1909 и 1911 гг. Она окрашена в ярко-красный цвет, что сразу отличает ее от серости окружающего города. Внушительный размер холста дополнительно усиливает величие этой постройки. Как привидение, башня возвышается над окружающими домами, в переносном смысле потрясая сами основы старого порядка.

Картина Делоне передает это чувство безграничного оптимизма, невинности и свежести времени, которое еще не стало свидетелем двух мировых войн.

Франтишек Купка

Франтишек Купка – чехословацкий художник, рисующий в стиле абстракционизм, окончивший Пражскую академию искусств. Будучи студентом, он, прежде всего, рисовал на патриотические темы и писал исторические композиции. Его ранние произведения были более академическими, однако, его стиль развивался на протяжении многих лет и в итоге перешел в абстракционизм. Написанные в очень реалистической манере, даже его ранние произведения, содержали мистические сюрреалистические темы и символы, что сохранилось и при написании абстракций.

Купка верил, что художник и его творчество принимают участие в продолжительной созидательной деятельности, природа которой не ограничена, как абсолют.

«Аморфа. Фуга в двух цветах» (1907-1908)

Начиная с 1907-1908 гг., Купка стал рисовать серию портретов девушки, держащей шар в руке, как будто она собиралась играть или танцевать с ним. Затем он разработал все более схематические ее изображения, а в конечном счете, получил серию полностью абстрактных рисунков. Выполнены они были в ограниченной палитре красного, синего, черного и белого цветов.

В 1912 году, в Осеннем салоне, одна из таких абстрактных работ была впервые публично выставлена в Париже.

Стиль абстракционизм не теряет своей популярности и в живописи XXI века – любители современного искусства не прочь украсить таким шедевром свой дом, и работы в этом стиле улетают с молотка на всевозможных аукционах за баснословные суммы.

Узнать еще больше об абстракционизме в искусстве вам поможет следующее видео:

135291 15-05-2012

Для меня стиль абстракционизм это прежде всего противостояние логике цивилизации. Вся история цивилизации последнего века построена на формулах, алгоритмах, принципах, уравнениях и правилах. Однако, человеку свойственно стремление к равновесию и гармонии. В связи с чем на заре века научно-технической революции появляется такое вот арт течение, которое не подчиняется классическим канонам рисования, а наоборот, служит своей целью дать свободу неосознанному и хаотичному, на первый взгляд лишенному смысла, но тем самым давая человеку возможность освободиться от влияния норм и догматов и сохранить внутреннюю гармонию.

Абстракционизм (от латинского abstractus — удаленный, отвлеченный) весьма широкое направление в искусстве XX столетия, возникшее в начале 1910-х в нескольких странах Европы. Для абстракционизма характерно использование исключительно формальных элементов для отображения реальности, где имитация или точное отображение действительности не было самоцелью.

Основоположники абстракционизма — русские художники Василий Кандинский и Казимир Малевич, голландец Пит Мондриан, француз Робер Делоне и чех Франтишек Купка. В основе их метода рисования лежало стремление к «гармонизации», создание определённых цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы вызвать у созерцателя разнообразные ассоциации.

В абстракционизме можно выделить два четких направления: геометрическая абстракция, основанная преимущественно на четко очерченных конфигурациях (Малевич, Мондриан), и лирическая абстракция, в которой композиция организуется из свободно текущих форм (Кандинский). Также в абстракционизме есть еще несколько крупных самостоятельных течений.

Кубизм — авангардистское направление в изобразительном искусстве, зародившееся в начале XX века и характеризующееся использованием подчеркнуто условных форм геометричной формы, стремлением «раздробить» реальные объекты на стереометрические примитивы.

Районизм (Лучизм) — направление в абстрактном искусстве 1910-х г.г., основанное на cмещении световых спектров и светопередачи. Характерна идея возникновения форм из «пересечения отраженных лучей различных предметов», так как человеком в действительности воспринимается не сам предмет, а «сумма лучей, идущих от источника света, отраженных от предмета».

Неопластицизм — обозначение направления абстрактного искусства, которое существовало в 1917—1928 гг. в Голландии и объединяло художников, группировавшихся вокруг журнала «De Stijl» («Стиль»). Характерны чёткие прямоугольные формы в архитектуре и абстрактная живопись в компоновке крупных прямоугольных плоскостей, окрашенных в основные цвета спектра.

Орфизм — направление во французской живописи 1910-х годов. Художники-орфисты стремились выразить динамику движения и музыкальность ритмов с помощью «закономерностей» взаимопроникновения основных цветов спектра и взаимопересечения криволинейных поверхностей.

Супрематизм — направление в авангардистском искусстве, основанное в 1910-х гг. Малевичем. Выражался в комбинациях разноцветных плоскостей простейших геометрических очертаний. Сочетание разноцветных геометрических фигур образует пронизанные внутренним движением уравновешенные асимметричные супрематические композиции.

Ташизм — течение в западноевропейском абстракционизме 1950—60-х годов, наибольшее распространение получившее в США. Представляет собой живопись пятнами, которые не воссоздают образов реальности, а выражают бессознательную активность художника. Мазки, линии и пятна в ташизме наносятся на холст быстрыми движениями руки без заранее обдуманного плана.

FILED UNDER : Статьи

Submit a Comment

Must be required * marked fields.

:*
:*